Esplorare la fusione culturale e l’espressione emotiva: un’intervista esclusiva con la designer Tianze (Nora) Lan

Abbiamo avuto l’opportunità di parlare con la designer Tianze (Nora) Lan, che ha studiato fashion design alla Parsons School of Design. Nora ha trascorso gli ultimi anni esplorando l’intersezione dell’estetica del design orientale e occidentale. Trae ispirazione dall’eleganza senza tempo del nero, del bianco e del grigio, che costituiscono la base della sua tavolozza di colori monocromatici. Nora approfondisce l’interazione di trame, forme e proporzioni per creare capi che siano sia visivamente sorprendenti che indossabili, dando potere alle persone che li indossano e spingendo i confini dello stile convenzionale. Siamo entusiasti di vedere Nora portare la sua prospettiva di design innovativa nel settore della moda.

Sei originaria della Cina. Potresti per favore parlarci dei tuoi primi anni di vita in Cina e di come ha contribuito a dare forma al tuo lavoro oggi?

Durante i miei primi anni in Cina ho condotto una vita abbastanza tipica, da bambina che andava a scuola, superando diligentemente numerosi test. Pur non avendo un background artistico o coetanei con interessi simili, ho scelto di tenere per me il mio sogno di diventare una fashion designer. Essendo cresciuta a Pechino, ho sviluppato un profondo interesse nell’esplorazione dei ricchi monumenti storici della città, tra cui l’iconica Città Proibita e vari templi buddisti. L’eleganza senza tempo e la profonda eredità culturale della Cina continuano a esercitare un’influenza duratura sui miei sforzi artistici.

In che modo la tua esplorazione dell’intersezione dell’estetica del design orientale e occidentale ha influenzato il tuo processo creativo e i capi che crei?

Il mio lavoro presenta spesso costruzioni non convenzionali, con sagome audaci influenzate dall’estetica occidentale. Visitare musei d’arte in Occidente mi ha ispirato con vari mezzi dell’arte contemporanea, incoraggiandomi a sperimentare materiali diversi nelle mie collezioni. Tuttavia, traggo anche influenze dalla cultura orientale, che è evidente negli aspetti meticolosi e che richiedono tempo del mio lavoro. L’estetica orientale, nota per il suo approccio conservatore ma delicato, ha plasmato la mia attenzione per i dettagli intricati e l’inclusione di perline nei miei progetti.

Come ti sei avvicinata al fashion design?

La mia passione per il fashion design è iniziata quando ho scoperto online una sfilata di Rick Owens all’età di dodici anni. Gli intricati disegni mostrati durante quello spettacolo hanno lasciato un’impressione indelebile su di me e hanno acceso la mia passione.

Durante il liceo mi sono immersa nell’illustrazione di moda, imparando le proporzioni del corpo umano e degli indumenti utilizzando pennarelli e matite colorate. Per fare un altro passo verso la moda, mi sono iscritta a tutorial sulla modellistica e sul drappeggio, iniziando ad apprendere i fondamenti dei cartamodelli.
Ciò che alla fine mi rende interessata al design della moda è l’innovazione senza limiti. Posso costantemente spingere i confini della mia creatività, scoprire le infinite possibilità nei capi e incorporare le mie visioni artistiche nella mia collezione.

Il mio stilista preferito è Rick Owens per la sua eccezionale creatività e padronanza di intricati drappeggi. La sua capacità di creare sagome straordinarie, spesso attraverso una costruzione minimalista combinata con più strati di drappeggi e fabbricazioni, si traduce in design eleganti e altamente dettagliati. Ciò che distingue Rick Owens è il suo stile distintivo, che non si basa su loghi o nomi visibili. Quando vedi qualcuno che indossa Rick Owens, puoi immediatamente riconoscere le sue vibrazioni uniche senza alcun marchio esterno.

Devo dire che sono attratta dall’abbraccio di un’estetica dark da parte di Rick Owens. I suoi disegni incorporano prevalentemente il mio colore preferito e confortevole, il nero, che risuona ulteriormente con il mio stile personale.

Cosa ti ha ispirato a creare la tua collezione e potresti darci qualche spunto sui materiali e sui toni?

Ispirato dall’opera d’arte di Joseph Beuys, “Come spiegare le immagini a una lepre morta”, ho trovato una connessione profonda. L’atto di Beuys di trasportare una lepre defunta mentre tentava di comunicare attraverso le fotografie risuonava con un ricordo personale di aver assistito alla morte dei miei coniglietti. La depressione influenza costantemente il mio lavoro, portandomi a gravitare verso i colori scuri. In questa collezione ho incorporato tessuti pelosi per imitare la pelliccia di coniglio, a simboleggiare la loro presenza. Pur non essendo un’esclusiva di questa collezione, trovo anche una profonda ispirazione nelle sculture. Le sculture accendono sempre la mia immaginazione, guidandomi verso sagome innovative e strati intricati.

Hai scelto il nero, il bianco e il grigio come base della tua tavolozza di colori. In che modo, secondo te, questi colori contribuiscono all’impatto e all’attrattiva generale dei tuoi progetti?

La depressione funge da tema costante nel mio lavoro e, di conseguenza, gravito verso l’uso di colori scuri. Per me i colori servono come mezzo principale per esprimere le mie emozioni. La combinazione di nero, bianco e grigio mi consente di mantenere un tono coerente in tutta la mia collezione, trasmettendo efficacemente l’atmosfera e il messaggio desiderati.

Puoi descrivere il processo, dall’idea al prodotto finale? Qual è la tua parte preferita del processo di realizzazione?

La creazione di modelli è il mio aspetto preferito del processo creativo. Mi permette di dare vita a schizzi 2D sotto forma di indumenti tangibili. Assistere alla graduale trasformazione di modelli piatti in pezzi tridimensionali è affascinante e divertente. Il processo di assemblaggio di ogni pezzo, osservando come interagiscono e generano nuove forme di bellezza, mi porta in un viaggio interessante.

Puoi discutere l’equilibrio tra la creazione di design carichi di emozioni e la garanzia di praticità e vestibilità? Come ti avvicini a questo equilibrio e ti assicuri che i tuoi capi rimangano accessibili a un pubblico più ampio?

Per garantire sia il design estetico che la vestibilità, la vestibilità gioca un ruolo cruciale nel processo creativo. Lavorare a stretto contatto con la mia modella, che è una delle mie più care amiche, mi ha permesso di effettuare prove frequenti, permettendomi di apportare le modifiche necessarie per migliorare il comfort e la vestibilità. Possiamo sempre identificare le aree che potrebbero essere scomode o se un indumento sembra troppo pesante. Pertanto, l’adattamento ha un grande significato pratico nel garantire che i design finali siano sia esteticamente gradevoli che comodi da indossare.

Come percepisci il rapporto tra moda e identità, e in che modo questa prospettiva forma il tuo approccio artistico e il messaggio che speri di trasmettere attraverso il tuo lavoro?

Credo che la moda abbia il potere di aiutare le persone a esprimere la propria personalità attraverso l’abbigliamento e ad acquisire sicurezza attraverso il proprio stile personale. Ho capito per la prima volta la profonda relazione tra moda e identità quando ho assistito all’impatto di indossare la mia giacca disegnata al CSM. Due dei miei compagni di classe l’hanno indossata e sono rimasti piacevolmente sorpresi dalla trasformazione che ha portato. Si sentivano potenziati e fiduciosi, evidenti nei loro movimenti entusiasti e nell’accresciuto senso di potere.

In un’altra occasione ho creato una giacca adornata con coniglietti, e quando la mia amica l’ha indossata ha espresso la sensazione di sentirsi protetta e al caldo. Queste esperienze hanno consolidato la mia convinzione di voler creare capi che stabiliscano una connessione emotiva con le persone, consentendo loro di esprimere la propria personalità e sperimentare l’empowerment attraverso ciò che indossano.

Sappiamo che hai presentato il tuo lavoro al “The External Organ” di New York. Puoi parlarci della mostra? Com’è stato partecipare al processo di installazione?

Il concetto di “organo esterno” trae ispirazione dall’opera d’arte di Joseph Beuys intitolata “Come spiegare le immagini a una lepre morta”. In questa performance, Beuys ha trattato la lepre morta come un’estensione del suo corpo, sottolineandone il significato. Ispirati da questa idea, abbiamo organizzato una mostra collaborativa per mostrare come la moda funge da nostro organo esterno, un aspetto essenziale della nostra identità che non solo ci supporta ma si connette anche con il pubblico. Per trasmettere il concetto di organo esterno, abbiamo trasformato lo spazio della galleria in un laboratorio di crescita ed esplorazione.

Piuttosto che utilizzare manichini tradizionali, abbiamo optato per le installazioni. Durante l’installazione il nostro membro del team, Tianze Wu, ha abilmente saldato telai e cubi di ferro per creare strutture che ci hanno permesso di esporre i capi. Usando dei fili, abbiamo collegato i capi ai telai di ferro e li abbiamo appesi ai soffitti. Adottando questo approccio innovativo, abbiamo mirato a creare una mostra più coinvolgente e artistica che enfatizzi il ruolo profondo che la moda gioca nelle nostre vite. La mostra ha presentato una collezione coerente e risonante di capi neri, bianchi e grigi provenienti da tre diversi designer. La deliberata tavolozza dei colori ha creato un’esposizione visivamente avvincente e armoniosa, evidenziando l’essenza condivisa e la visione artistica tra i pezzi.

Come immagini la continuazione o l’evoluzione dei temi esplorati in questa raccolta nel tuo lavoro futuro? Ci sono aspetti o concetti specifici che vorresti approfondire o ampliare?

Ciò che mi motiva è trovare un equilibrio tra avanguardia e abbigliamento casual. Con il progresso della tecnologia, la moda ha visto l’incorporazione di più stampe 3D e materiali non convenzionali. Tuttavia, questi spesso si traducono in capi scomodi e non adatti all’uso quotidiano. Il mio obiettivo è scoprire come utilizzare materiali non convenzionali e tecnologici per creare abbigliamento casual, o come ridurre al minimo la costruzione drammatica vista in passerella per l’abbigliamento di tutti i giorni. Aspiro a rendere straordinario l’abbigliamento casual, infondendo creatività e innovazione nell’abbigliamento quotidiano delle persone.

Quali sono le tue aspirazioni o obiettivi come fashion designer?

Il mio obiettivo finale è trovare un equilibrio tra design innovativi e abbigliamento quotidiano pratico, incorporando anche nuove tecnologie per creare abbigliamento tecnologico comodo e indossabile. Inoltre, miro a sviluppare capi che diano potere alle persone e consentano loro di esprimere le loro personalità uniche. Come fashion designer, è divertente spingere sempre i confini della creatività e sfidare continuamente me stessa per migliorare le mie capacità tecniche.