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“Fiori e Ossa – intervista con Emma Witter”

“Fiori e Ossa – intervista con Emma Witter”

Preview intervista dal numero di Dicembre #15

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Emma Witter è giovane e brillante e la sua carriera di artista si è sviluppata velocemente, sin dai primi anni al college. Molti critici d’arte contemporanea si sono interessati al suo lavoro e le hanno assicurato, ad oggi, un posto alla Sarabande, la Lee Alexander McQueen Foundation che continua il volere del suo fondatore e offre supporto e opportunità a giovani artisti talentuosi e, sopratutto, coraggiosi. Emma Witter rientra alla perfezione in questa descrizione e il suo lavoro, benchè delicato e all’apparenza fragile, possiede una forza espressiva speciale.

Proprio alla Sarabande si è tenuta, a Settembre, la personale titolata Remember You Must Die, la seconda nella carriera dell’artista.

La Natura Morta è un genere che risale alla storia dell’arte di alcuni secoli fa: quale educazione artistica hai e quanto è importante la natura morta nella tua pratica?

Sono molto ispirata dai classici dipinti di natura morta di Vanitas, che rappresentano la transitorietà della vita e la futilità del piacere. Come fiori in decomposizione in contrasto con oggetti ricchi. Lo scrittore e curatore Paul Carey Kent è venuto di recente a vedere la mia mostra e mi è piaciuta la descrizione che ha fatto dei miei fiori di ossa come “una sorta di Memento Mori al quadrato”. Non ho un’educazione formale alla storia dell’arte, ma l’anno scorso mi sono iscritto a un incredibile corso serale di 10 settimane presso la Royal Academy chiamato “The Vogue of Vanitas and Mortality”, in cui una grande selezione di oratori ci ha portato attraverso la storia di Vanitas e Memento Mori, fino alle pratiche contemporanee. Ann Gallagher (direttrice delle Collezioni di arte britannica alla Tate) ha tenuto un discorso particolarmente interessante sugli artisti della natura morta di Vanitas e mi ha fatto riflettere sulle mie composizioni.

Fai parte della Sarabande Foundation, la comunità artistica creata da Alexander McQueen, la cui estetica conosciamo tutti molto bene. Condividete lo stesso fascino per la caducità e la morte che, nonostante siano argomenti centrali nell’arte per ovvie ragioni, sono ancora percepiti come soggetti difficili. Le tue opere, tuttavia, danno un senso di leggerezza e bellezza. Come pensi che la percezione della morte sia cambiata nel corso dei secoli e da quale prospettiva la guardi attraverso il tuo lavoro?

Penso che siamo sempre più distaccati dalla morte, specialmente in Occidente. È molto evidente quando si confrontano le tradizioni funerarie in tutto il mondo e nella nostra storia. Ne siamo molto distaccati fisicamente, non ci occupiamo più dei corpi e non siamo nemmeno più in grado di guardarli. Abbiamo creato una sorta di tabù e oscurità che circonda qualcosa che è assolutamente naturale e di cui dovremmo essere naturalmente curiosi. C’è un distacco simile anche nel mondo del cibo: le persone spesso non pensano da dove proviene ciò che mangiano. La carne non appare magicamente senza pelle e disossata negli imballaggi in plastica del supermercato. Ho sentito un certo numero di persone che sono state disturbate durante la loro infanzia quando hanno scoperto che la loro cena proveniva da un animale in particolare! Penso che tutta questa opacità sia davvero malsana. Nel mio lavoro cerco sempre di sfidare la percezione dell’osso come significante di morte e oscurità. È un materiale davvero incredibile e bellissimo. Al momento abbiamo un grosso problema con i rifiuti e la produzione, e quindi spero anche di evidenziarne l’ampia disponibilità come sottoprodotto industriale creando opere che sono innocue e belle.

Quali sono i tuoi piani per il futuro? Sembri interessata a diversi tipi di arte: ti piacerebbe esplorare altre possibilità oltre alla scultura?

Mii piacerebbe molto pensare a lavori e collaborazioni interdisciplinari, ad esempio creando un ibrido tra scultura e fotografia, scultura e gioielleria, scultura e arredamento ecc.

Ci sono alcune cose che ho iniziato ad esplorare durante la realizzazione della mia recente mostra personale, che vorrei sviluppare in modo più approfondito, come la stampa 3D, l’elettroformatura del rame, tornare a utilizzare il cibo come materiale per la fotografia basata sulla scultura e altre cose. Oh e ho dipinto con il cibo! Volevo vedere se riuscivo a far funzionare su carta una vanitas alimentare e ho usato diversi condimenti per realizzare un dipinto floreale. Mi piacerebbe sviluppare una serie di questi e vedere fino a dove posso spingere l’idea.

Words by Giulia Greco

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